Fundação

A realidade são reais?

2011-04-07T17:04:00.000-07:00

25 de Fevereiro de 2011

artista: José Almeida Pereira

+ info: www.josealmeidapereira.blogspot.com

2011-04-07T15:28:00.000-07:00

Alguns reais, 2011

vídeo sem som, HD 16:9, mpeg2, 7' loop

2011-04-07T15:11:00.000-07:00

Alguns Reais, 2011

Spray esmaltado sobre parede e cédulas recortadas de 1, 2, 5, 10 e 20 reais (moeda brasileira)

2011-04-07T14:39:00.000-07:00

2011-03-01T13:34:00.000-08:00

José Almeida Pereira

Nasceu 1979 em Guimarães, Portugal

Vive e trabalha no Porto e Guimarães

Mestre em práticas artísticas contemporâneas (2006-2008) pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto e licenciado em artes plásticas – pintura (2005) na mesma instituição.

Desde 2010 membro convidado do colectivo internacional de artistas WochenKlausur

1º lugar no concurso "1º prémio Rothschild de Pintura" (2003), Lisboa (Vicente Todoli e Julião Sarmento a integrar o jurado)

Expõe individual e colectivamente desde 2001.

Case study

2011-01-30T15:13:00.000-08:00

de 15 de Janeiro a 5 de Fevereiro de 2011

artista: Pedro dos Reis

2011-01-30T15:08:00.000-08:00

Ant trail to colony, 2010

impressão em jacto de tinta em papel semi-mate, colada em pvc 5mm

100x100 cm

2011-01-30T14:53:00.000-08:00

Shoprite backdoor at Jersey City, NJ, 2009

impressão em jacto de tinta em papel semi-mate, colada em pvc 3mm

50x50 cm

Shoprite cargo terminal at Jersey City, NJ, 2009

impressão em jacto de tinta em papel semi-mate, colada em pvc 3mm

50x50 cm

Corner of 5th Av and 12th street, NYC, 2009

impressão em jacto de tinta em papel semi-mate, colada em pvc 3mm

50x50 cm

2011-01-30T14:48:00.000-08:00

Case Study 1, 2009

impressão em jacto de tinta em papel semi-mate, colada em pvc 5mm

100x60 cm

Case Study 2, 2009

impressão em jacto de tinta em papel semi-mate, colada em pvc 5mm

100x60 cm

2011-01-05T09:59:00.000-08:00

Pedro dos Reis

Nasceu em Lisboa em 1975, vive e trabalha actualmente em Lisboa.

Tendo formação em fotografia no MEF (por Luís Rocha e Tânia Araújo), desde 2002 que Pedro dos Reis tem vindo a desenvolver trabalho no campo das artes visuais – nomeadamente em fotografia e vídeo.
Do seu corpo de trabalho destacam-se várias colaborações em revistas nacionais e estrangeiras, tais como a Sonic Scope Quarterly, Dif, Bant Magazine, a LVHRD Mgzn, a Parq e a Bypass; projectos colaborativos, como o Globalcity Project - do qual é autor, Unsound Thinkers e Exquisite Corpse (com a artista multimédia Peishan Kao); e ainda a sua participação em alguns festivais de som e imagem, tais como o Festival Mascavado, Amsterdam Film Experience, Outfest – Encontros de Som e Imagem do Barreiro e Festival Atlantic Waves - London International Festival of Exploratory Music, em que colaborou estreitamente com músicos, como Nuno Moita, André Gonçalves, Tim Hecker, Rodrigo Dias e Gonçalo Silva.
Participou em exposições colectivas, como o Projecto Lisboa (2007) tendo exposto individualmente em 2011, no Porto, na Fundação - espaço com programação de Cristina Regadas, José Almeida Pereira e Miguel Flor.
Em paralelo tem perseguido uma carreira de escrita sobre Arte tendo sido colaborador da Artecapital.net (2008-2009), da Bypass (2009) e da revista Artes & Leilões (2010).

Tendo vivido em Nova Iorque entre 2004 e 2010 a temática do seu trabalho debruçou-se essencialmente sobre aspectos que rodeiam a vida em espaços urbanos.
O desenho da cidade e a sua influência nos movimentos migratórios quotidianos são a base da construção de imagens-pensamento, que procuram criar significado sobre a forma como vivemos os espaços que habitamos.
As imagens não são retratos literais, mas procuram interrogar o espectador sobre a sua própria condição e o mundo que o rodeia havendo um certo jogo entre escalas e analogias com outros aspectos do mundo natural

Aluvião

2011-01-04T06:09:00.000-08:00

de 4 a 30 de Dezembro de 2010

artistas: Júlia de Carvalho Hansen e Mayana Redin

+ info:

http://12exemplares.blogspot.com

http://www.4shared.com/document/FFGUQD8v/cantos-de-estima.html

http://www.margensdapalavra.blogspot.com/

2011-01-04T06:01:00.000-08:00

No dia a dia do diário abro

recortes de uma escrita

O céu que nos prometa um ano bêbado

integrante do livro "Poemas do destino do mar"

Júlia de Carvalho Hansen

Diariamente

bilhete em sanfona

Fragmentos de uma carta não feita

poema em rolo

Ao Marcos

página A4

Temes a noite em que os nomes não se registam nos radares

caderno chinês; texto que integra o livro inédito "Poemas do destino do mar"

Júlia de Carvalho Hansen

2011-01-04T05:54:00.000-08:00

Dispositivos da distância, 2010

nanquim, lápis de cor, papel vegetal sobre canson

29,7x42 cm

Mayana Redin

Sem título, 2010

lápis de cor e papel vegetal sobre canson

29,7x42 cm

Mayana Redin

2011-01-04T05:51:00.000-08:00

Sem título, 2010

papel vegetal, nanquim, grafite, colagem

30x190 cm

Mayana Redin

2011-01-04T05:44:00.000-08:00

Dispositivo de atravessamento, 2010

250 papeis vegetais recortados

edição única.

Mayana redin

Fazer um tunel, 2010

dois exemplares feitos de "O túnel e o acordeom" e mais um desfeito

Júlia de Carvalho Hansen

2011-01-04T05:39:00.001-08:00

ALUVIÃO - Júlia de Carvalho Hansen

Eu poderia falar pelos seus olhos, leitor? Apresento, imagino que escrevo o controle de uma rebentação. Quando a Cristina Regadas nos convidou para fazermos essa exposição, me transformei num meteoro, bem surpreso, um tanto confuso, muito agradecido.

Eu e Mayana não nos conhecemos pessoalmente. Aluvião se deu em trocas por internet e, quase que exclusivamente, por e-mail. Nada constituiu um princípio, mas aconteceu. Eu sentia como se partíssemos de lugares opostos, ou como se as nossas respostas aos mesmos problemas fossem inversas e compossíveis. Também pela generosidade lúcida da Maya, conforme fomos freneticamente nos escrevendo, comecei a achar que nomeamos diferentemente ações semelhantes. Ou isso ou verdadeiramente conseguimos nos corresponder.

O interesse pela matéria era um elo comum. Dada a situação da distância e a vontade de encontro, resolvemos construir um túnel. O túnel e o acordeom é o meu caminho nesse acesso, em diálogo com o livro de escavação da Mayana. Temos, para o ano de 2011, o projeto de reunir os dois trabalhos em uma só publicação gráfica.

Curioso caminho de criar uma experiência de travessia que me parece (experimente ir para debaixo da terra) o texto mais difícil de escrever que já escrevi. Quando fiz os 12 exemplares copiei o cantos de estima dezessete vezes à máquina de escrever. É um texto que adoro e se resolvesse transcrever por uma quarta vez O túnel e o acordeom, seria insuportável.

Encontro de durezas: a terra tem seu ritmo, vitalidades que se espraiam. Pensamos que conversávamos na fluidez de montanhas. Sim, mas algo se deu mais veloz. Não fizemos o museu das pedras, ou elas rolaram pela água. De todo modo é mineral, como a memória do que acontece em nós. Enxurrada. Aluvião é a paragem disso.

ALUVIÃO - Mayana Redin

Los Encuentros: esto no tendría evidentemente ningún sentido se fuera de otro modo. Todo ha sido estudiado, todo ha sido calculado, no es cosa de equivocarse, no se conocen casos en que se haya descubierto un error aunque solo fuera de unos centímetros o incluso de algunos milimetros. Sin embargo, siempre noto algo que se parece a la admiración cuando me imagino el encuentro de los obreros franceses y de los obreros italianos em medio del tunel del Monte Cenis. (Especies de Espacios. Georges Perec. Editorial Montesinos, 2001.)
Este é um terreno marginal onde finalmente se encontram rios, que por sua vez depositam os destroços de uma viagem. Todo viajante traz consigo objetos que vai deixando para trás ao atravessar um terreno, o mar, ou o deserto, a substância-matéria de que é feito o mundo. Mas antes, é preciso falar da viagem que se faz sem sair do lugar: o pensamento também atravessa.

Diz-se do termo geológico “Aluvião”: depósito de sedimentos nas margens trazidos pelo fluxo de um rio. Trata-se daquele material ainda solto, que se aloca em algum lugar da margem, quando um rio diminui seu fluxo, junto com uma infinidade de matérias; pedra, pedregulho, areia, cascalho, terra, musgo, bicho, caramujo, vidas microscópicas, úmidas, que transitam entre vivas-e-mortas, em decomposição, ou em fermentação. Veja bem, é uma paragem, de quando a correnteza permite que algo aconteça nas margens. Ali, aluvião, as coisas se encontram em um nível considerável de desorganização e também de descanso – mas tudo partiu da pedra.

Logo após, retorna o rio e carrega a substância para novas margens. (Aluvião também é passagem.)

A proposta, desde o início, foi produzir aproximação, atravessar oceano, cavar túnel. Como se faz arte cavando túnel? Antes, como se faz um túnel? Agarrar o caminho é o mesmo que percorrê-lo? Sempre à procura de um componente que desse conta desse abismo que é ver e conhecer o outro, tendo ainda em nossa trajetória quilômetros oceânicos, a nossa troca é intransigente com nossos corpos... precisamos chegar perto de algo para tocá-lo?

Aluvião é essa margem: cascalho, sobras de uma convivência, onde um cava de lá e o outro cava de cá, esperando que a sorte faça encontrarmo-nos em algum lugar do caminho.

Júlia de Carvalho Hansen
Nasceu em São Paulo em 12 de janeiro de 1984.

Entre 2008 e 2009 colocou a primeira edição do "cantos de estima" em circulação no projeto 12 exemplares, destinando os livros manufaturados para pessoas diferentes, com a proposta de que interviessem no livro em um fazer. Em paralelo, continuou a escrita do "cantos de estima" que foi publicado em edição aumentada em julho de 2009.

Estudou Letras na USP, faz mestrado em Estudos Literários na Universidade Nova de Lisboa. Vive em Lisboa.

Mayana Redin

Nasceu em Campinas-SP, Brasil, e mora em Porto Alegre (RS).
Formou-se em Comunicação Social pela Unisinos, e em Artes Visuais pela UFRGS. Estudou a cidade como "máquina estética" na conclusão do curso de Comunicação e produziu desenhos e videos relacionando palavra, imagem e pensamento na conclusão do curso de Artes.Teve, em vários momentos, o deslocamento como matéria prima de estudo e criação. Morou em Viçosa (MG), São Leopoldo (RS), Porto (PT). Prepara-se para morar no Rio de Janeiro (RJ), a partir de 2011, para cursar o mestrado em Artes Visuais na UFRJ.

Ydo e prisionero a la vez

2011-01-04T05:34:00.000-08:00

de 13 a 27 de Novembro de 2010

artista: António José Rocha

2011-01-04T05:28:00.000-08:00

2011-01-04T05:17:00.000-08:00

2011-01-04T05:07:00.000-08:00

Ydo e prisionero a la vez, 2010

Fotografias, cadeira, mesa, tecido, espelho, papel de prata, tripé, luz de foco pontual, moldura de madeira

2011-01-04T05:04:00.000-08:00

Looking for "Las niñas"

impressão jacto de tinta sobre papel barita com base de fibra 100% celulose

20x25 cm

António José Rocha

Nasceu em Matosinhos, vive e trabalha no Porto

O artista enganado/ O artista enganchado

2010-11-09T14:42:00.000-08:00

16 de Outubro a 7 de Novembro de 2010

artistas: Luis Ribeiro e Max Fernandes

+ info:

http://sites.google.com/site/artluisribeiro/

http://maxfernandes.wordpress.com/

Luis Ribeiro

2010-11-09T14:17:00.000-08:00

O ARTISTA ENGANADO 

Homenagem a W.B., 2010

Impressão digital sobre papel

Texto "A obra de arte na era da sua reprodutibilidade técnica" de Walter Benjamin manipulado.

2010-11-09T14:00:00.000-08:00

O real desconhecido, 2010

Acrílico sobre vidro, 40x40cm

Desenhos captados a partir da janela de casa, anulando os detalhes

Luís Ribeiro apresenta um conjunto de catorze desenhos impressos sobre papel onde questiona, baseado na obra "A Sociedade Transparente" de Gianni Vattimo, o que nós conhecemos do nosso passado. Este propõe-nos a ideia de que não existe uma história como "curso unitário", uma história única mas antes há imagens do passado propostas por pontos de vista diversos.  Partindo desta ideia, Luís Ribeiro apropria-se do texto de Walter Benjamin "A obra de arte na era da sua reprodutibilidade técnica" e, ao reproduzi-lo, anula-o propositadamente alertando-nos para a facilidade da alteração dos dados históricos e da forma como estes passam de geração em geração. No fundo, questiona a forma como nós usamos os mecanismos de reprodução para registar a história. Paralelamente Luís Ribeiro apresenta-nos, também, uma série de desenhos sobre vidro captados a partir das janelas de sua casa reproduzindo a realidade exterior anulando os detalhes.

Luís Ribeiro nasceu em Guimarães em 1982.

Licenciou-se em Desenho na ESAP (2004), tendo realizado o Mestrado em Práticas Artísticas Contemporâneas na FBAUP (2008). É membro fundador do Laboratório das Artes e realiza diversas exposições desde 2003, onde se destacam as individuais "Something we should know about reality", Galeria Gomes Alves 2, Guimarães (2010), “Accidents are an exception”, Galeria Reflexus – Arte Contemporânea, Porto (2008) e “Parasitic Humanoid”, Galeria Gomes Alves, Guimarães (2006). Das colectivas destacam-se "Salão Europeu de Jovens Criadores 2009-2011", "MV/C+V", Centro Cultural Vila Flor, Guimarães (2009), “IMPORT / EXPORT”, Projecto Fábrica, Guimarães (2010), “Pack!”, Reitoria da Universidade do Porto, Porto (2008), “Anteciparte, 3ª edição”, Lisboa (2006), “16 salas, 1 espaço”, Laboratório das Artes, Guimarães (2005), “a dizer...”, Espaço ‘Pêssegoprásemana’, Porto (2004), entre outros. 

Max Fernandes

2010-11-09T13:46:00.000-08:00

O ARTISTA ENGANCHADO - Zé Puxa Artista e seus Vídeos

2010-11-09T13:31:00.000-08:00

O artista enganchado - zé puxa artista e seus vídeos, 2010

3 gamelas, corda, 29 roldanas, bicicleta, 3 televisores, 3 leitores de dvd, cabos de conexão, extensão de corrente eléctrica, 1 artista, 1 comissário

dimensões variáveis

performance/instalação

http://enganchar.wordpress.com/

2010-11-09T12:16:00.000-08:00

Procurei por ti quando deixei de te ver, ao encontrar-te deixei que desaparecesses, 2009

vídeo, cor, som, 12min 07 seg

info: http://procureiporti.wordpress.com/

V-I-D-E-O, 2009

vídeo, cor, sem som, 12min 09 seg

info: http://maxfernandes.wordpress.com/2010/01/17/desenhos-na-linha-do-tempo-drawings-in-the-timeline/

No conceptual art, 2009

vídeo, cor, sem som, 45min

2010-11-09T12:12:00.000-08:00

“Podia Dizer-te Mas Lembrei-me de Quanto a Verdade Já Não Interessa” * 

Sobre Max Fernandes:  Nasceu... e ainda não morreu.

*Excerto do diálogo entre Max F. e Alberto G. no dia 17 de Janeiro de 2010  

Trabalhos sobre papel

2010-11-06T09:59:00.000-07:00

18 de Setembro a 9 de Outubro de 2010

artista: João Marçal

+info:

http://artycok.tv/lang/en-us/joao-marcal/6455

joao-marcal.blogspot.com

João Marçal

2010-11-06T09:42:00.000-07:00

FujiFilm Provia 400F, 2006

Aguarela e grafite sobre papel

49,5x38,5 cm

2010-11-06T09:36:00.000-07:00

F, 2007 (repetido em 2010)

Tinta da China sobre papel

49,5x37,8 cm

2010-11-06T09:32:00.000-07:00

Sem título (Lacoste), 2010

Pastel de óleo sobre papel

12 elementos com 24x33 cm cada

2010-11-06T09:19:00.000-07:00

Sem título (waiting symbol), 2009 - 2010

Lapis de aguarela sobre papel

77x57 cm

2010-11-06T09:05:00.000-07:00

Sem título (uma folha de "cavalinho estrangeiro" A2- e uma caixa de lápis Caran d'Ache Prismalo I de 30 unidades), 2010

Lápis de aguarela sobre papel

65x50 cm

2010-11-06T08:48:00.000-07:00

Sem título (duas folhas Arches A2+ de 180g, grão acetinado e uma caixa de lápis Caran d'Ache Supra color soft de 80 unidades), 2010

Lapis de aguarela sobre papel

2 elementos com 57x77 cm

2010-11-06T08:40:00.000-07:00

Sem título (uma folha monteval A2- de 300g e uma caixa de lapis Caran d'Ache Supra color soft de 80 unidades), 2010

Lapis e aguarela sobre papel

50X65 cm

2010-11-06T08:31:00.000-07:00

Sem título (uma folha monteval A2 - de 300g e uma caixa de lapis Caran d'Ache Prismalo I de 30 unidades), 2010

Lapis de aguarela sobre papel

50x65 cm

2010-11-06T08:16:00.000-07:00

O suporte de papel surge nesta mostra como o único ponto em comum entre todos os trabalhos, pela primeira vez João Marçal dedica uma exposição inteiramente à apresentação de desenhos.

A exposição é composta por duas séries de trabalhos recentes (2010) e três desenhos desenvolvidos anteriormente (2006, 2007, 2009), que se encontravam “perdidos” no atelier do artista e que, aparentemente, pareciam difíceis de encaixar de forma coerente no seu corpo de trabalho. Ainda assim, os trabalhos mais antigos foram escolhidos criteriosamente, de modo a gerar vários elos de ligação com a sua obra mais recente e fazendo com que a exposição emergisse como um todo, revelando um universo de preocupações que se tocam tangencialmente.

Tendo conhecimento da obra desenvolvida pelo artista ao longo dos últimos anos, principalmente nas áreas da pintura e instalação, não será arriscado apontar este conjunto de desenhos como uma camada complementar, ou como um esqueleto de directrizes do seu próprio trabalho. Estes desenhos surgem, então, enquanto matérias de reflexão de um contexto, debruçando-se sobre a problematização da autonomia da obra e uma lógica de apropriação quase melancólica e resignada.

João Marçal (Santarém, 1980)

Vive e trabalha no Porto, Portugal

Formação/Studies

2008 . Mestrado em Práticas Artísticas Contemporâneas na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto

2004 . Lincenciatura em Artes Plásticas-Pintura Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto

Exposições Individuais / Solo Shows

2009 . “Abstract”, MCO Arte Contemporânea, Porto

2008 . “Homenagem a Anthony Mundiaga Ogadje”, Museu da Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto

2007 . “Mini Challenge” (em conjunto com Luís Espinheira), CCB (Centro Comercial Bombarda), Porto

2006 . “ESTÚDIO 2000”, IN-TRANSIT (projecto de Paulo Mendes), Porto + “Henriette Binger Barthes”, MCO Arte Contemporânea, Porto + “Sob arte, técnica, linguagem e política”, PêSSEGOpráSEMANA, Porto

2005 . “P.S. I love hue”, Galeria 24b, Oeiras + “UAU”, MAD WOMAN IN THE ATTIC (projecto de André Sousa), Porto

2004 . “Repetição de Diferença”, Salão Olímpico, Porto

2003 . “Oll Korrect”, PêSSEGOpráSEMANA, Porto

Exposições Colectivas (selecção) / Group Shows (selection)

2010 . "Espacio Atlantico", MCO Arte Contemporânea, Vigo

2009 . “A nossa língua não cura”, Espaço Avenida (comiss. Isabel Ribeiro), Lisboa + “Está a morrer e não quer ver”, Espaço Campanha (comiss. José Maia) , Porto

2008 . “Meet me round the corner (in five minutes)”, Spike Island, Bristol(UK) + “Five minutes later”, A Certain Lack of Coherence, Porto

2007 . "PILOT#3”, Veneza, Londres + “Antimonumentos”, ah Galeria de arte contemporânea, (comissário - Miguel von Hafe Perez) Viseu.

2006 . “Opções e Futuros”, Colecção Fundação PLMJ, Galeria Arte Comtempo, Lisboa + "Teleférico/Cais de Embarque", Teleférico de Guimarães, org. Laboratório das Artes + "Encontro de Arte Jovem - Bienal de Arte", Chaves

2005 . “Lisboa Arte 2005”, Lisboa + “Prémio de pintura Rothschild”, Palácio das Galveias, Lisboa + “27 artistas, uma casa a demolir”, no Laboratório das Artes, Guimarães + “16 salas 1 espaço”, no Laboratório das Artes, Guimarães + “GPO31031405”, na Galeria Pedro Oliveira, (comiss. Miguel Amado) Porto + “PêssegopráSemana apresenta:”, no Espaço Maus Hábitos, Porto

Anestesia Geral

2010-06-30T15:32:00.000-07:00

de 04 a 26 de Junho de 2010

artista: Luís Espinheira

+ info:

http://www.galeriapedrooliveira.com/archive/artists/luis_espinheira/luis_espinheira.htm

Luís Espinheira

2010-06-30T15:29:00.000-07:00

Relax II , 2009

Tinta plástica e acrílica com cinto sobre tela

40x40 cm

Duas pernas de cadeira pintadas

42x4,5x4,5 cm

2010-06-30T15:27:00.000-07:00

Relax II , 2009

Impressão a jacto de tinta em papel 100% algodão (ed. única)

44x65 cm

2010-06-30T15:22:00.000-07:00

Cut&Paste, 2007

Madeira, latão, pintura acrílica e esmalte sobre vidro

87,5x163,3 cm

2010-06-30T14:56:00.000-07:00

Anestesia Geral, 2010

Pregos, vidro e água

20x80x80 cm

2010-06-04T06:21:00.000-07:00

Exercícios autónomos de um processo que percorre o meu trabalho, as três peças que apresento na exposição Anestesia Geral – que é também título de uma delas – reflectem uma produção fragmentada no tempo. Não sendo partes de um projecto específico, partilham a heterogeneidade das minhas apostas e a dispersão da minha produção artística. A mais antiga – Cut & Paste – data de 2007 e é um objecto ambivalente que sobrevive num limbo entre o utilitário e os objectos que produzo enquanto artista. Estas portas de vidro pintado com acrílico protegem (em casa) os meus discos do pó. Aqui, neste ensaio expositivo, retomam o seu propósito original: um enunciado deslizante, uma referência à colagem, à mixagem, à construção do pensamento através de mecanismos de apropriação, anexação e reconstrução aleatória.

As restantes peças, produzidas entre 2009 e 2010, convergem numa ideia de relaxamento e analgesia. Entre o descanso e a suspensão da consciência regresso ao tema do escape e analiso um modelo de sobrevivência: a insensibilidade à dor.

Escapando à responsabilidade ou adormecendo o sistema nervoso central, produzindo a inconsciência, uma paralisia controlada e temporária que nos afasta de nós precisamente durante o tempo necessário: adiamos o inevitável e comprazemo-nos num ócio indeclinável.

Luís Espinheira nasceu no Porto, 1979.

Em 2003 completou a licenciatura em Artes Plásticas-Pintura na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto. È artista plástico representado pela galeria Pedro Oliveira desde 2005 e expõe regularmente desde 2001. No período de 2005 a 2008 coordena projecto de fotografia MATERIAprint,. Desde 2004 é colaborador criativo de vídeo para a companhia: Teatro de Ferro no Porto. Como docente, ligado ao ensino artístico exerce actividade desde 1999, actualmente lecciona na Escola Superior de Arte Design de Matosinhos. Desenvolve ainda actividade de fotógrafo profissional freelance.

Sub Rosa

2010-05-25T13:39:00.000-07:00

de 30 de Abril a 29 de Maio de 2010

artista: Nuno Ramalho

+ info: http://nuno-ramalho.blogspot.com

Nuno Ramalho

2010-05-25T13:28:00.000-07:00

Inocência e Desespero e Clareza 2010

Clarim perfurado

50 x 21 x 14,5 cm

2010-05-25T13:24:00.000-07:00

Punk's not Dead but Punks Are 2010

Impressão a jacto de tinta

29,7 x 21 cm

2010-05-25T13:22:00.000-07:00

Teorema (pentágono: estrutura, desenho social, o novo profeta, cerração, pequena-glória) 2010

Estante metálica, livro, desenhos, coroa

185 x 75 x 30,5 cm

2010-05-25T13:16:00.000-07:00

2010-05-25T13:07:00.000-07:00

O título Sub Rosa diz-nos que esta exposição de Nuno Ramalho tem como premissa o encoberto. Este termo é genericamente utilizado para a designação de algo que necessita de ser conhecido confidencialmente.

Com raízes etimológicas na antiguidade Egípcia, a conjugação das palavras sub (sob, debaixo) e rosa, tem servido, ao longo do tempo, para nomear reuniões e missões especiais, que necessitam, segundo quem revela, da circunscrição dos seus conteúdos a uma elite (no limite, entre duas pessoas – o sacerdote e aquele que se confessa, por exemplo).

Ao abrigo de Sub Rosa, e nas características privilegiadas do espaço da FUNDAÇÃO para acolher esta proposta, encontramos pistas subtis nos objectos que nos são apresentados, em jeito de sussurros, norteando o espectador na resolução de uma espécie de conspiração maior.

É então no jogo da composição e origem das obras presentes no espaço expositivo que o artista Nuno Ramalho nos enreda numa associação de elementos delicadamente descontextualizados, e com conteúdos inesperadamente disfuncionais.

A prova impressa de uma carta escrita por um soberano, responsabilizando o seu subordinado pelo respectivo abandono do posto de trabalho. A deformação de um instrumento musical de sopro, tornado impraticável na sua integridade original. A disposição nas prateleiras de uma trivial estante de armazém de – um desenho a grafite do busto de um velho calvo e barbudo, de costas viradas para um monocromo realizado com o mesmo material; uma reprodução em inglês de “O contrato social” de Jean-Jacques Rousseau; e, por último, uma singela tiara do género beauty queen.

Assim, e com estes dados, aparentemente inconciliáveis, que vão do desenho a grafite ao readymade (livro, tiara, estante), do readymade auxiliado (trompa) à impressão a jacto de tinta (carta), o artista incita-nos à recepção de um trabalho composto por momentos singulares, os quais, quando reunidos completam uma pasta imprescindível de provas, da presença de uma potência suspeita.

O espectador, então último legislador, é convidado a conceber as leis próprias que regem a sua experiência, in loco, com esta nova proposta de Nuno Ramalho.

Abril 2010, José Pereira

Nuno Ramalho nasceu em 1975. Vive e trabalha no Porto. É licenciado em Escultura pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto e possuí um mestrado em New Genres pelo San Francisco Art Institute. Desde 1999 que trabalha no campo das artes visuais, tanto individualmente como em colaboração com outros artistas, em áreas como o desenho, instalação, escultura, performance, som, vídeo e práticas curatoriais.

Participou em exposições individuais e colectivas em Portugal, Brasil, Espanha, Noruega, Rússia e Estados Unidos da América. Em 2002 foi artista residente na Triangle France, em Marselha, França, e em 2004 foi um dos nomeados para o prémio EDP Novos Artistas. Bolseiro da Fulbright Comission/Fundação Carmona e Costa em 2006 e 2007, recebeu igualmente a Louise Woods Memorial Scholarship. Entre 2000 e 2005 colaborou com o Serviço Educativo do Museu de Serralves. É representado pela galeria Graça Brandão.

Licença para afirmar

2010-05-25T11:34:00.000-07:00

de 1 a 24 de Abril de 2010

artistas: Susana Chiocca, Miguel Flor, Cristina Hora, António Leal, Manuel Santos Maia, Nuno Paiva, José Almeida Pereira, Nuno Ramalho, Cristina Regadas, António José Rocha, Magalie Rastello + Marcelo Valente

+ info:

http://asalanabaixa.blogspot.com/

http://miguelflor.blogspot.com/

http://www.cricaaccessories.com/

http://www.galeriagracabrandao.com/index.php?menu=art&artista_id=66

http://manuelsantosmaia.blogspot.com/

http://josealmeidapereira.blogspot.com/

http://nuno-ramalho.blogspot.com/

http://www.cristinaregadas.com/

http://170cm.fr/

2010-05-25T11:25:00.000-07:00

Magalie Rastello e Marcelo Valente

hoje vai chover, 2010

galo de barcelos multicolor "climático" e vinil autocolante

dimensões variáveis

2010-05-25T11:20:00.000-07:00

Susana Chiocca (com a colaboração de Juao Coração e Igor Vasconcelos)

ELA (série The Fake), 2010

fotografia a cor

120x80 cm

ELE (série The Fake), 2010

fotografia a cor

120x80 cm

2010-05-25T11:18:00.000-07:00

Nuno Paiva

Sem Loiça, 2010

Happening com o cão Vicente vestido a fio de algodão (croché)

Duração 2 horas

Sem Loiça, 2010

impressão lambda emoldurada

22,5x30 cm

2010-05-25T11:15:00.000-07:00

Cristina Regadas

Frame of Reference (A Brief History of Time), 2010

2 lambda print

cada 27x27 cm

2010-05-25T11:12:00.000-07:00

António Leal

Império perdido, 2010

Plástico e luz

120x90x90 cm

2010-05-25T11:01:00.000-07:00

António José Rocha

...nada mais que a verdade, 2010

tela, agrafos, papel, jacto de tinta sobre papel, pvc

40X80 cm

2010-05-25T10:50:00.000-07:00

Miguel Flor

FROM IOS TO KALIMNOS, 2010

4 impressões lambda

cada 22,5x30 cm

2010-05-25T10:47:00.000-07:00

Nuno ramalho

Smoke and Mirror, 2010

2 Impressões a jacto de tinta

cada 21 x 29,5 cm

2010-05-25T10:36:00.000-07:00

Manuel Santos Maia

non _ mal posso dar / no mundo/ um passo / sem tremer , 2010

capa de atlas mundial da “The Times”, mostruário de cores de linhas e cartões de cores de tintas

Dimensões variáveis

2010-05-25T10:28:00.002-07:00

José Almeida Pereira

Manhã 1/04/10, 2010

Papel fotossensível (preto e branco) fixado. Ausência do processo convencional de revelação e banho de paragem

40,6x50,8 cm

2010-03-30T06:14:00.001-07:00

Flyer - Imagem a partir de fotografia captada durante a aproximação do Tsunami no Hilo, Hawaii, dia 1 de Abril de 1946. Consta que muitas das vitimas do desastre ignoraram os avisos das autoridades, por assumirem as advertências como mentira de Abril.

Não é fortuitamente que a exposição “Licença para afirmar” inaugura no dia 1 de Abril de 2010. Há dias agendados para celebrar ou recordar o quer que seja, parece ser característica inerente à cultura humana o agendamento do tempo com dedicações simbólicas, para que o passado nos faça sentido narrativamente.

Sem qualquer causa aparentemente indubitável é atribuído ao dia 1 de Abril, no calendário anual gregoriano, uma espécie de dia de excepção; neste dia é permitida, sem punição do proclamador, a possibilidade de pôr de parte quaisquer valores éticos e comportamentais subjugados à ideia de verdade e à correspondência das afirmações aos factos da realidade empírica, e assim deflagrar mentiras como verdades, e ou vice-versa.

É este dia de exclusividade que motiva a concepção desta exposição e, fazer da mesma data, pretexto para que cada artista pense as suas propostas com a consciência de que o espectador recebe o seu trabalho, num período em que a confusão se pode instalar, sem equívocos. Sem equívocos porque, ao contrario de todos os outros dias, questionar constantemente aquilo que nos é afirmado, sob modelos de verdade, passa a ser irrelevante, pois neste prazo de exclusividade qualquer tentativa de apurar a veracidade das afirmações cai sobre terra, visto que o dia é dedicado à baralhada – tudo é possível dizer e desdizer – para que, de alguma maneira, se mantenham as regras todos os outros dias do ano.

Fica assim aberto, sub-repticiamente um estado de catástrofe da credulidade, todas as afirmações ao longo deste dia (em muitos países apenas até ao meio-dia, a partir daí o enganador passa a ser considerado um “April fool” – “tolo de Abril”) são susceptíveis de constante desconfiança. Todos aqueles que recordam o significado da data encaram os depoimentos dos fenómenos ao longo do dia com ambiguidade, mecanismos de atenção e constante questionamento são accionados para o insólito.

Screen Memories

2010-03-30T06:12:00.000-07:00

de 13 a 27 de Março de 2010

artista: Margarida Paiva

+ info: www.margaridapaiva.net

Margarida Paiva

2010-03-30T06:06:00.000-07:00

"Erase" – 4 impressões a jacto de tinta sobre k-line, cada 25.5x38 cm, 2010

2010-03-30T03:35:00.000-07:00

"Untitled stories", 6 impressões a jacto de tinta sobre k-line, cada 25.5x38 cm, 2010

2010-03-30T03:33:00.000-07:00

"Fragments from an unknown woman", 6 impressões a jacto de tinta sobre k-line, cada 25.5x38 cm, 2010

2010-03-30T03:30:00.000-07:00

"Nightfall", 6 impressões a jacto de tinta sobre k-line, cada 25.5x38 cm, 2010

2010-03-30T03:27:00.000-07:00

"Other", 8 impressões a jacto de tinta sobre k-line, cada 25.5x38 cm, 2010

Screen Memories é uma série de fotografias de Margarida Paiva que remete para a teoria freudiana com o mesmo título. A memória é tema central, e a partir desta aborda-se o esquecimento. Screen Memories são reminiscências fabricadas de modo a encobrir memórias verdadeiras, reprimidas e dolorosas, de um passado mais distante.

São determinantes tanto no que revelam como no que escondem. Estas memórias não registam o evento, mas delas fica um afecto, uma sombra, uma insinuação inquietante.

Margarida Paiva (Coimbra, 1975), vive e trabalha em Oslo, Noruega desde 2001.

Em 2007 concluiu o mestrado - “Narrativa em vídeo arte” - na Academia Nacional das Artes em Oslo.

Exposições Individuais:

2009 - Untell Retrace ROM Kunst+Arkitektur – Oslo

2007 - Untitled Stories Galeria Lab.65 – Porto

2006 - Nightfall Galeria 21:24 – Oslo

2003 - In.Blue Galleri Blunk – Trondheim

Das exposições colectivas, destacam-se:

2009 - Prémio EDP Novos Artistas Museu da Electricidade Lisboa

2009 - Encontros da Imagem - Mosteiro de Tibães - Braga

Developing

2010-03-24T10:26:00.000-07:00

20 Fevereiro a 6 de Março de 2010

artistas: Bolos Quentes (Albino Tavares, Duarte Amorim e Sergio Couto)

+ info: http://www.bolosquentes.com/

Bolos Quentes

2010-03-24T10:18:00.000-07:00

"Devoloping", video 16 mm telecinado para PAL, cor, sem som, 3'19'', 2010

2010-03-24T10:05:00.000-07:00

"Developing (1-6)", impressões a jacto de tinta sobre papel de algodão, cada 32x48 cm, 2010

"Bolos Quentes" existem como colectivo artistico e atelier de design desde 2002

Colectivas

"Está a Morrer e não quer ver", com Samuel Silva, Espaço de Campanhã (2009) - instalação

"Skatomize", Plano B (2009) - instalação

"Space Off", José Falcão 124 (2008) - video

Individuais

"Great Expectation", Galeria Cozinha - FBAUP (2009) - fotografia

Trabalho em vídeo e Developing

2010-03-24T09:51:00.000-07:00

O atelier de design Bolos Quentes iniciou a sua actividade no ano de 2002, altura em que quatro estudantes do curso Design de Comunicação da Faculdade de Belas Artes do Porto decidiram partilhar ideias, conhecimentos, interesses e, não com menos importância, a renda de um espaço. Oito anos mais tarde e depois de passarem por vários espaços da cidade do Porto, o atelier continua activo e em permanente ascensão, estando agora sediado num dos robustos edifícios da Avenida dos Aliados, coração da baixa portuense. No final de 2008 os Bolos Quentes alteraram pela primeira (e única) vez no seu percurso a formação inicial; com a saída de Miguel Marinheiro, o grupo passou contar apenas com três elementos: Albino Tavares, Duarte Amorim e Sérgio Couto.

A formação numa escola de belas artes e o envolvimento com espaços e personagens ligados à cena artística do Porto (entre 2002 e 2007, espaços como o PêSSEGOpráSEMANA e o Salão Olímpico encontravam-se ainda em actividade e em diálogo constante com a Faculdade de Belas Artes), podem ser apontadas como as principais razões para que o trabalho dos Bolos Quentes recorra a processos criativos e soluções plásticas de uso menos comum dentro do design gráfico. Parte dos trabalhos dos Bolos Quentes, observados fora de um contexto ou portfolio de design, parecem pertencer menos a um atelier de design do que a um colectivo artístico, ainda que, na maior parte dos casos, estejam a responder directamente ao pedido de um cliente. Esta ideia é especialmente reforçada se tivermos em atenção os trabalhos em vídeo e a desconstrução que o colectivo desenvolve nas suas abordagens à imagem em movimento. De certa maneira, cada vídeo é para os Bolos Quentes como um novo pretexto para continuar a explorar este suporte ao nível conceptual e técnico. O aproveitamento de equipamentos e processos obsoletos dentro da tecnologia de vídeo, é um dos pontos de partida mais prolíferos para um corpo de trabalho coerente e consciente.
 O video clip para o tema Spong Ice de Último (2008) é talvez um dos exemplos mais representativos da metodologia de trabalho dos Bolos Quentes; contar um pouco da história deste vídeo é como sublinhar as principais ideias esboçadas até agora nos parágrafos anteriores. Segundo as palavras dos próprios Bolos Quentes este foi um trabalho auto-proposto que “surgiu por acaso”. A oportunidade de usar uma câmara de 16 mm surgiu através do contacto com um grupo de amigos e todo o trabalho teria de ser pensado e filmado em apenas dois dias, período em que a máquina estava disponível; para agravar a situação, só tinham três minutos de película. Perante estas limitações, optaram por usar a música Spong Ice de Último pois, não só “encaixava” no tempo disponível, como já estava editada pela Ástato-CDR (editora criada em 2005 por Albino Tavares, Duarte Amorim e João Marrucho); estas contingências ditaram o ponto de partida para um vídeo que, para surpresa dos próprios autores, acabaria por ser distinguido com o prémio para Melhor Music Video no Ottawa Internacional Animation Festival (OIAF 08). Este reconhecimento internacional ganha importância redobrada se considerarmos o carácter low budget de toda produção. Em traços gerais, o vídeo resume-se a uma intervenção manual sobre duas personagens que dançam a mesma música a velocidades diferentes; os desenhos são feitos com marcadores coloridos directamente sobre a película de 16 mm e os actores são o Albino Tavares e o próprio Último (Pedro André), também ele amigo próximo do colectivo e, na altura, estudante nas Belas Artes. 
Mais recentes, são os dois vídeos para os temas dos Peixe Avião "A espera é um arame" e "Camaleão", apresentados respectivamente em 2008 e 2009. Mais uma vez, ambos os trabalhos põem à prova uma ideia prévia que visa explorar e desconstruir os próprios meios utilizados, nunca esquecendo as temáticas ou conceitos que envolvem as músicas em questão. Em A espera é um arame, a banda toca num espaço claustrofóbico, de acabamentos visivelmente rudimentares. O cubo de 175 cm de aresta é iluminado por uma complexa instalação eléctrica de aspecto precário e as inúmeras lâmpadas que pendem sobre os músicos, parecem acender e apagar aleatoriamente. Na verdade, cada uma das luzes deste cenário reage caprichosamente a um som específico produzido pela banda: a voz, as teclas, a bateria, etc. Resumindo, este vídeo filmado 16 mm, acaba por ser um exercício de interdependência entre o som e a imagem, uma vez que é a musica tocada que produz e impõe o ritmo da iluminação, essencial para a captação da imagem. Camaleão, o segundo video clip do Bolos Quentes para os Peixe Avião, recorre ao efeito Chroma Key de uma forma completamente denunciada. A técnica que é usada normalmente para iludir o espectador da presença de elementos que, na realidade, não existiam fisicamente no local da filmagem, é utilizada neste vídeo somente pelo seu potencial plástico na resolução de uma ideia, a metamorfose constante entre os elementos da banda e a imagem de fundo.
 O último vídeo dos Bolos Quentes, Developing, com três minutos de duração, distingue-se dos anteriores por diversas razões: não foi feito ou pensado para responder a um cliente, foi apresentado num espaço destinado a apresentação de projectos artísticos e tem um carácter crítico e narrativo bastante mais evidente do que qualquer outro vídeo deste colectivo. A chave deste trabalho é a dicotomia, conceito que é explorado por um exercício de comparação entre situações ou imagens diametralmente opostas. O Espaço Campanha no Porto e o Guggenheim Museum em Nova Iorque, assim como as cores em negativo e positivo do próprio filme, são os elementos que se confrontam de forma mais clara. Todas as ideias do vídeo são amplificadas pela presença de uma bandeira nacional de cores invertidas (peça original de João Marçal intitulada A Maria e apresentada em 2006), transportada por um indivíduo (Duarte Amorim) de modo informal. Esta bandeira, não só reforça visualmente a oposição entre positivo e negativo, como introduz um potencial crítico e reflexivo, que remete para a identidade artística do país (mais concretamente da cidade do Porto), e sua relação com contextos exteriores de grande reconhecimento. Developing, o título da obra, tem aqui um duplo sentido, uma vez que refere simultaneamente o processo de revelação do filme (película de 16 mm, neste caso particular) que envolve sempre uma relação entre negativo/positivo e uma hipotética revelação de um artista português no estrangeiro e na cena artística de top mundial. 
Para além do vídeo, na exposição do espaço Fundação, os Bolos Quentes apresentam uma série de seis impressões fotográficas, ampliadas a partir de frames do vídeo. As imagens seleccionadas coincidem exactamente com o momento em que a personagem passa atrás de uma árvore, estando por isso parcialmente, ou mesmo completamente, oculta. Aqui, a solução encontrada insiste novamente na possibilidade de uma crítica à identidade e visibilidade nacional.
Fevereiro 2010
João Marçal

Catwalk

2010-03-24T09:07:00.000-07:00

6 de Fevereiro de 2010 - 22h

artista: Miguel Flor

Miguel Flor

2010-03-24T08:56:00.000-07:00

"Catwalk", roupa, espelhos, lâmpadas e som, 2010

2010-03-24T08:33:00.000-07:00

"Catwalk" é uma instalação de Miguel Flor de curta duração na FUNDAÇÃO. Talvez a possamos qualificar, de forma mais específica, como um happening.

Devido à sua duração limitada a um espaço de tempo de duas horas, ela evoca mais um acontecimento, do que a representação atemporal da colocação e distribuição de objectos, imagens, som, etc. no espaço expositivo da instalação.

Segundo este título (tradução para a língua portuguesa - passadiço) somos confrontados com o território central do artista e designer – o vestuário.

O vestuário porque uma das formas convencionais de se dar a ver é no passadiço, é moldado ao corpo e figura humana que desfila, na tentativa de se apreender a sua total concretização.

Aqui Miguel Flor transporta-nos para um tempo póstumo, um tempo outro, diferente do momento da apresentação das peças. Um momento dos tecidos que traz todos os anteriores consigo, o estádio em que todas as marcas e inscrições se dão a ver já fora da sua função primeira, a etapa em que o vislumbre do que vem a seguir pede a nossa imaginação.

Esta "Catwalk" é o passadiço onde por breves instantes o lugar das coisas não é o provável, onde o que desfila e o desfilado, o observador e o observado permutam constantemente.

Fevereiro 2010

José Pereira

Vieram verificar o potencial de vida

2010-03-24T08:12:00.000-07:00

9 de Janeiro a 30 de janeiro de 2010

artista: António Leal

António Leal

2010-03-24T08:06:00.001-07:00

"Central Bank", espuma e tinta acrílica dourada, dimensões variáveis, 2010

2010-03-24T07:46:00.000-07:00

"Eternal", velas, dimensões variáveis, 2010

Nesta mostra o artista António Leal parece-nos oferecer um território significativo (ao evocar o título de um anuncio de uma agência imobiliária mexicana), no qual seres outros se apresentam como interessados (colonizadores?) de um espaço que carece de consumação, um lugar aparentemente virgem.

Na prática a função deste mote "Vieram verificar o potencial de vida" intensifica o valor dos objectos apresentados no espaço expositivo, de modo a questionar os paradoxos latentes na forma como os mesmos (objectos) se distribuem, agrupam e acendem no espaço.

O "potencial de vida" desta instalação subjaz no jogo de reflexos constante entre a tese que as formas apresentam, e a sua imediata contradição, numa mostra consecutiva do esperado e do seu reverso.

Nasceu em 1979, no Porto, Portugal

Vive e trabalha no Porto, Portugal

Licenciado em Artes Plásticas – Pintura - pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto.

Expõe publicamente desde 2001

http://www.galeriagracabrandao.com/index.php?menu=art&artista_id=66

Alguns Reais

2010-03-24T06:32:00.000-07:00

15 de Novembro a 13 de dezembro

artista: Jose Almeida Pereira

+ info http://www.josealmeidapereira.blogspot.com/

José Almeida Pereira

2010-03-24T04:44:00.000-07:00

"Alguns Reais", fugitrans em caixa de luz, cada 27x27 cm, 2009

Coloquialmente o título da exposição poderá ser entendido como uma quantia de valor, mais ao menos, indeterminada da moeda brasileira.

Pondo de parte a numerária brasileira “Alguns reais” ler-se-á com a ambiguidade que a palavra - real - transporta em si.

O desvio de um esperado e claro sentido único – do estado das coisas tal como elas são e se nos apresentam – acontece pelo conjugar da palavra real no seu plural, devendo-se este título à revelação de diferentes iconografias de corporações internacionais, que evocam a exclusividade e autenticidade latente na ideia de real.

Nasceu em Guimarães em 1979, Portugal

Vive e trabalha no Porto e Guimarães., Portugal

Mestre em práticas artísticas contemporâneas (2006-2008) pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto e licenciado em artes plásticas – pintura (2005) na mesma instituição.

Expõe publicamente desde 2001.

www.josealmeidapereira.blogspot.com

Introspective

2010-03-24T04:34:00.000-07:00

27 Setembro a 17 de Novembro de 2009

artistas: Cristina Regadas; Nanako Koyama; Marie Ek

+ info http://fundacao-introspective.blogspot.com/

Cristina Regadas

2010-03-24T04:27:00.000-07:00

"Live Long", Lambda prints, dimensões variáveis, 2009

Nasceu em 1977 no Porto, Portugal
Vive e trabalha no Porto, Portugal

Licenciada em Escultura na Faculdade de Belas Artes, Universidade do Porto e Fotografia na École Superieure “Le 75”, Bruxelas, Bélgica
Entre as exposições individuais, destacam-se “Rise and Shine”, 2007, na Galeria MCO, Porto e “Piéce Unique”, 2005 na Galeria Plumba, Porto.
Participou em diversas exposições colectivas desde 1999.
Em 2006/7 foi fotógrafa colaboradora dos YPU

http://www.cristinaregadas.com

Nanako Koyama

2010-03-24T04:12:00.001-07:00

“部屋にまつわる5つの話 - (5 stories about rooms)", inkjet, 30x20 cm cada, 2009

Nasceu em 1988 em Ishikawa, Japão
Vive e trabalha em Tokyo, Japão

Estuda Fotografia na Nihon University College of Art
Tem trabalho publicado na Slash magazine nr. 8, na Heso Magazine nr. 11 e no livro “For the Love of Light: a Tribute to the Art of Polaroid
Em 2008 realizou a primeira exposição individual “Potsun”, em Tokyo, Japão.
Participou na exposição colectiva “Instant Era", 2008 na Califórnia, USA

http://nanakokoyama.com/

Marie Ek

2010-03-24T03:44:00.000-07:00

“Up North”, impressão cromogénica, 30x30 cm, 2008/09

Nasceu em 1979 em Västerås, Suécia
Vive e trabalha em Estocolmo, Suécia

Estudou Estética Contemporânea, História e História de Arte na Universidade de Estocolmo e encontra-se a concluir o mestrado em Cinema no Swedish Film Institute.
O seu trabalho está publicado nas revistas Afisha Magazine (2007), JPG Magazine nr.10 (2007), Moloko+ issue 7, Slash Magazine nr, 8 (2008), O_100 spring issue 2008,
Chikismiqui magazine 2009 e no livro “For the Love of Light: a Tribute to the Art of Polaroid”

http://www.flickr.com/photos/62952597@N00/

“Introspective, ou o que fica de fora”

2010-03-23T11:42:00.000-07:00

Apesar de sabermos que nunca alcançaremos uma resposta totalmente satisfatória ou categórica, continuamos na constante indagação acerca dos elementos que, nas imagens fotográficas, ancoram o referente à realidade do instante captado.
Entretanto, temos a consciência de que há muito que as fotografias deixaram de se poder declarar, à quase totalidade dos seus observadores, única e exclusivamente como “crus” fragmentos do real.
A certeza de que não podemos mais subentender a fotografia como testemunho incontestável "daquilo que foi”[1], parece ter aberto um campo inesgotável de hipóteses para um medium que passa por uma constante hibridação.
Também sabemos que, na fotografia artística, não podemos reclamar à imagem a vontade de adequação exacta ao mundo das coisas, pois as representações artísticas não se mostram como documentos de creditação do representado em relação a um referente. Na arte, todo um outro sistema de análise entra em acção, e está longe de se resumir ao nível de adequação do captado à realidade visível.

A fotografia, como prática de criação de imagens a partir da captação e fixação da luz que as coisas reflectem, transporta consigo uma inerente qualidade fragmentária. Visto não existir máquina ou lente cujo enquadramento abarque a totalidade das coisas, as imagens fotográficas parecem ser sempre peças singulares num puzzle nunca terminado.
No caso da pintura, ou mesmo do cinema, esta qualidade fragmentária não parece estar tão patente. A primeira, independente da foto-sensibilidade, estende-se num plano aberto a qualquer inclusão matérica. Quanto ao cinematógrafo, o facto de se concretizar em sucessões de fotografias no plano de projecção, permite que a obra se circunscreva temporalmente, possibilitando-lhe virar as costas a um exterior ao enquadramento do filme.

“ Aceito que a fotografia seja um fragmento da mesma maneira que uma pintura de Rafael não o é. Mas também não concordo com a necessidade de a reduzir a essa qualidade fragmentária.”[2]

Nada como um artista (fotógrafo) para questionar postulados, e permitir que no fotográfico caibam estratégias, modos de fazer, e imagens que reivindiquem “o quadro completo” da construção cinematográfica ou pictórica. O modo como este autor, e demais, constroem fotografias faz deste medium um território tão capaz como qualquer outro para a edificação de ficções.

Nesta exposição as fotografias de Cristina Regadas, de Marie Ek e de Nanako Koyama não se mostram com o mesmo desejo de completude “cinematográfica” com que vemos as imagens do canadiano Jeff Wall - a encenação de um quadro total (circunscrito, embora facultando-nos a imaginação do que se poderia prolongar para além dos limites do rectângulo) - mas também não são fragmentos de um contexto infinitamente prolífico em pontos de vista, característico do fotojornalismo.

O título desta exposição – “Introspective” (introspectivo – adaptando ao português) – revela um paradoxo evidente: como é que podemos observar as imagens destas autoras com a presença de um adjectivo que significa uma auto-analise do interior e do subjectivo, o estudo consciente do espírito por si mesmo; como é que nos pode ser revelado um lugar tão singular como a “alma” de cada um, vista por si próprio, com um meio (a fotografia) que transporta endemicamente a realidade exterior?
Como é que poderá surgir a revelação de um interior a partir das imagens fotográficas que, como estas, captam a trivialidade e mundanidade dos objectos empíricos do quotidiano?
A resposta imediata, a nosso ver, declara que este lugar interior, tão singular como cada individuo no planeta, manifesta-se não nas imagens ou em cada elemento das mesmas, mas naquilo que elas potenciam e nos sugerem para lá dos limites do enquadramento.
Não é a revelação da identidade da rapariga nipónica em “plano-médio-curto”, não é o conhecimento do motivo pelo qual a figura feminina se debruça na cama com os braços cruzados sobre a cabeça (nas fotografias de Regadas); não é a identificação precisa do lugar e da qualidade do cogumelo resguardado pelo arbusto e vigiado pela base do tronco partido, fotografado por Ek; não é a revelação dos nomes e idades das figuras captadas por Koyama, ou mesmo o número de quarto, a cidade (Tokyo ou São Paulo) em que se encontram os lugares idiossincraticamente preenchidos de objectos pelas jovens absortas nos seu espaços; não é pela identificação dos elementos e conhecimento do motivo pelo qual foi enquadrada, dentro dos limites das imagens, toda a luz que estes objectos emanam para a câmara, que reconheceremos o ser(es) interior(es) latente(s) no título desta mostra.
Mas são todos estes factores que nos permitem reconstituir o argumento que possa definir um estado interior, um estado que não se descreve mas que se sugere para lá do conteúdo de cada foto. Um interior que se indicia, tal como o rasto que o fotográfico tem acoplado a si, por ínfimo que seja, da realidade que se expõe ao olhar da câmara.
Será que na verdade ficará algo de fora das imagens? Cada uma não terá o “dever” de ser o rastilho de uma explosão de referências, individuais e colectivas, que se propagam indefinidamente, e que ao voltarmos a elas mais tarde um outro rebentamento se despoletará?

Não será a determinação do rigor da origem das coisas nas imagens que interessará procurar, mas talvez o que as mesmas nos permitem indagar das convenções, certezas perceptivas e cognitivas, que em nós se vão acomodando.

Setembro 2009
José Pereira

[1] BARTHES, Roland – A câmara clara (nota sobre a fotografia). 1ª edição1980. Edições 70 LDA. Lisboa, 2008, p. 13
[2] WALL, Jeff in entrevista a PELENC, Arielle – Jeff Wall. Phaidon Press. New York, 2002, p. 9